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반짝반짝어서오세요 - 큐레이터  노 진 -

깜빡, 깜빡. 창문의 불이 하나 둘 꺼지면 깜빡, 깜빡, 깜빡....... 작가 문형태의 세계가 비로소 시작된다. 언뜻 보기에 그 세계는 지브리 애니메이션 같은 환상적인 마법세상이나 팀버튼 영화의 단조적 우울을 닮아 있는 것 같기도 하다. 알록달록 환상적인 옷을 입은 문형태의 캐릭터들이 익살맞고 유머러스한 얼굴로, 또 때로 뜨악스러울만큼 요상한 표정으로 우리를 맞이하면 우리는 디즈니 만화처럼 실사와 캐리커처 사이를 오가며 그 세계를 탐험하기 시작한다. 하지만 사실 거기에서 끝나는 게 아니다. 문형태의 그림 세계는 대중의 입맛에 맞추기 위해 보편적 일상에 상상력의 내러티브를 덧입힌 애니메이션적인 세계에 머물지 않고 리얼한 현실 속의 본질을 찾아 끊임없이 나아간다. 우리가 그의 그림을 볼 때 느낌이 좋고 재밌는 그림이라는 단순한 생각에서 벗어나 찬찬히 시간을 들여 그 안을 들여다본다면 화려함 속에 깊이 숨겨져 있는 작가 개인의 일상과 그 속에서의 기발한 생각, 짧은 단상들을 찾을 수 있을 것이다. 그런 의미로 문형태의 작품은 상상의 동화라기보다 매일 매일의 생활을 기록한 다큐멘터리적 영사물에 더 가깝다 할 수 있겠다.

 우리는 문형태가 펼치는 화려한 색감의 유희에서 어린아이가 된 듯 웃으며 뛰놀다가도 어김없이 마그리트의 그림에서 발견하는 초현실적인 생소를 경험하게 된다. 이런 경험은 현실과 실제의 사이, 즉 일반적인 현실과 작가 개인이 경험한 실제 현실 사이의 괴리와 그 괴리가 만들어낸 뒤틀린 공백에서 온다. 이 괴리로 인해 그림은 작가의 의도와 상관없이 작가 스스로 확고히 다져놓은 의미의 기표에서 빠져나가고 숨겨지기를 반복한다. 또한 마찬가지로 그림을 보는 사람들은 작가가 확고부동하게 이름지운 제목 앞에서도 번번이 그 내용을 오해하거나 멋대로 상상하기를 반복한다. 하지만 그러다가 관객이 뒤틀림의 자국을 발견하는 순간 관객은 실제 사실과 멋쩍은 대면을 하게 되며, 뒤틀림의 공백 틈에서 자신을 바라보는 작품 속 인물의 시선과 마주하게 된다. 관객과 마주친 그 시선은 관객이 문형태의 그림을 더 이상 웃으며 가볍게 지나치지 못하도록 그들을 붙잡는다. 작품 인물의 시선, 결국 그것은 작가가 우리를 향해 던지는 응시이자 욕망이다.

 예를 들어 <I'm not a soldier>를 보는 관객은 ‘저 사람 군인이 아니면 누굴까? 재밌는 표정의 아저씨네......’ 하며 스스로의 상상 속에 빠져들게 된다. 가령 물총을 가지고 놀았을 뿐인데 무자비하게 총을 가졌다며 군인에게 살해당했던 먼 이국땅의 불쌍한 소년을 떠올릴지도 모를 일이다. 하지만 “경쟁심이 생겨나고 욕심이 많아지는 스스로를 발견할때면 내가 붓을 총처럼 들고 전투적으로 작업에 임한다는 생각이 들었습니다 .예술이 세상을 변화시킨다면 그 것은 예술가 한 사람이 아니라 예술가 전체의 힘일테니 예술은 누가 이기고 지는 종류가 아닐텐데 말이예요”라는 생각으로 이 그림을 그렸다는 작가의 고백을 듣는 순간 우리는 솔직하고 소박한 작가의 마음을 이해하게 되면서 작가의 시선으로 작품을 보기 위해 한 번 더 작품과 마주하게 되는 것이다. 작품의 의미가 관객에게 드러나면 그것으로 끝나는 것이 아니라 또 다른 베일에 한 번 더 가려진다. 하지만 이 베일은 원래의 의미를 모두 가려버리는 두툼한 천이 아니다. 이것은 솔직담백한 작가의 고백에 공감으로 화답하고자 관객들이 내미는 소통의 베일이다. 이 베일은 작품의 원래 의도를 비춰내면서 동시에 ‘나도 그런 비슷한 경험이 있다’라는 관객들의 개인적 경험까지 더하게 만들며 소통과 성찰의 순간으로 우리를 인도한다.

 한편, 문형태는 지성이라는 이름으로 그림을 가두는 형식 자체를 거부한다. 그는 작품 속에 어떤 내재된 의미를 부여한다던지, 사회에 의미심장한 메시지를 전하겠다던지 하는 작가주의적 작품을 구현하려 애쓰지 않는다. 대신 그는 소박하고 솔직하게 자신의 일상을 이야기한다. 이런 그의 자유로운 소년적 몸짓은 항상 우리에게 신선한 즐거움을 선사한다. 또한 꾸미지 않고, 우쭐대지 않고, 있는 그대로를 털어놓는 진정성을 담보한 그의 작가세계는 작품이 재기발랄함에 그치지 않고 유쾌한 감동에까지 이를 수 있는 힘을 만들어낸다. 이런 진정성은 작가 자신이 삶에서 일어나는 소박한 일상을 그냥 흘려버리지 않고 고민한 끝에 얻어낸 깨달음들로부터 기인한다. 진지한 삶의 태도와 성찰에 기반한 문형태의 그림은 그래서 결코 가벼울 수 없다. 찐득찐득 녹아내릴 듯 칠해지는 물감은 등을 맞댄 삶에 세밀하게 흡착되고 고정된다. 삶이 곧 그림이었던 화가들 중 모두가 사랑하는 이들의 그림에 문형태의 모습이 함께 겹쳐지는 것은 바로 그런 이유이다. 대중은 비평가나 전문가가 극찬하는 모든 작가들에게 경외와 감탄의 시선을 보내지만 그 중에서도 특히 삶과 일상을 이야기하며 감동을 주는 화가들을 열렬히 사랑한다. 고흐의 그림이 더욱 감동적인 것은 그의 삶을 관통하는 가난과 병마의 고통 속에서도 그가 순수한 열정으로 일상의 풍경들을 아름답게 그려내 주었기 때문이다. 박수근이 조개를 먹고 조개를 그렸듯이 문형태는 자장면을 먹으면 자장면 먹는 그림을 그리고, 고흐가 동네의 카페에서 밤의 카페를 그렸듯 그는 영화를 본 날 그 영화를 그린다. 그렇게 문형태는 삶의 무게가 느껴지는 고단한 오늘, 소박하고 평범하지만 소소하지 않은 일상, 주변의 평범한 사람들까지 모두 무의미하게 흘려보내지 않고 (그의 작품에 자주 등장하는 Bobby Dazzler처럼) 하나하나 반짝반짝 빛나는 모습으로 쉼 없이 스크랩한다.

 이렇듯 문형태는 그림과 함께 순수하게 살아가고 싶은 마음을 담담히 그리고 솔직하게 고백하는 작가이다. 싫은 사람과의 불편한 식사시간을 토로하기도 하지만, 옆을 지켜주는 소중한 사람의 감사함을 결코 잊지 않는 그런 사람이다. 그의 그림이 들려주는 노래도 그런 노래이다. 깜빡깜빡 꺼지는 것, 그것은 실은 우리 마음의 창문이다. 눈을 떴다 감는 그 깜빡임의 찰나, 보이는 순간과 보이지 않는 그 지점의 순간, 그 순간의 찰나에 비로소 우리는 문형태의 작품의 진실 된 모습과 만나게 된다. 작가는 그런 우리를 향해 오늘도 자신의 영사기를 돌린다. 필름에 담지 못한 모든 일상, 필름과 필름 사이에 빠져나가는 자신의 온전한 일상의 공백을 메우려는 듯 열심히 오늘도 우리를 향해 자신의 영사기를 돌린다. 내가 보이나요? 여기 진짜 내가 보이나요? 라고 물으며.......

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          2009 <무지개정원>展 평론

일상을 관통하는 부지런한 감각의 촉수

하계훈(미술평론가/단국대교수)

문형태는 비교적 젊은 나이에 웹디자인, 그래픽디자인, 회화 등의 분야에서 상당한 경력을 쌓으며 왕성한 활동을 해온 다작의 작가다. 처음에는 생활에 필요한 비용을 벌기 위해 시작한 일들이 어느 새 본격적인 작업이 되고, 그렇게 됨으로써 작품에 임하는 자세가 좀 더 진지해졌다. 그리하여 문형태의 작품들이 작가를 사로잡는 문제는 삶과 죽음이라든가 창작의 시작과 완성과 같은 생명과 미학의 근본적인 문제에서부터 일상의 사소한 단상이나 작가와 관람자 사이의 소통의 문제까지 폭넓게 드러나고 있다.  비교적 젊은 나이에도 불구하고 <사랑은 외로운 투쟁>, <드라이브>, <형사 가제트> 등의 제목을 가지고 전시마다 개인적 경험을 바탕으로 한 독특한 주제를 설정하여 전시회를 개최해 온 작가가 이번에 <무지개 정원>이라는 제목으로 여는 전시는 그의 여덟 번째 개인전이 되는 셈이다. 이제까지 숨 가쁘게 작업을 하며 달려온 작가는 자신의 활동과 삶을 중간 정산하는 기회로 이번전시를 선택한 듯하다. 사람들은 허공의 무지개를 향하여 희망을 노래하지만 정작 그 무지개의 뿌리가내 집 정원의내 발 아래에서 시작되었을 수도 있다는 작가의 언급은 이번 전시를 통해 작가가 관람자들에게 스스로의 삶에 대한 자세와 태도를 되돌아보게 만들어줄 것이다. 회화 이외에도 웹디자인, 그래픽디자인과 오브제 제작까지 경계를 넘나들며 왕성하게 활동을 해오고 있는 문형태의 작업에 관해서 소위 순수미술과 상업미술을 구분하는 입장에서는 작가가 작품 이외의 여러 가지 작업에 에너지를 빼앗기는 것에 대하여 부정적인 시각을 보이기도 할 것이다. 그러나 오늘날 팝아트의 대가로 알려진 앤디워홀도 무명 작가시절에는 작품 활동을 위한 동력을 확보하기 위하여 잡지의 삽화를 그린다든지 광고 디자인을 하기도 했으며 당시 급속하게 팽창하던 LP 레코드 제작과 발맞추어 음반 재킷의 디자인을 했던 적이 있는 것처럼 문형태가 생활 소품을 만들어 판매하고 음반 재킷을 디자인하거나 카페의 실내장식 일을 하는 것이 예술가로서의 금기라고 볼 수는 없다.

문형태의 평면작업은 대담하면서도 함축적이다. 작가는 일상 속에서 포착하는 자신의 개인적 사유와 경험을 작품 속에 투영하여 조형적으로 승화시키고 있는데, 비교적 젊은 나이에 남들보다 굴곡이 심한 삶을 살아온 까닭이라서인지 작품 속에 함축하는 메시지가 강렬한 편이다. 어린 시절의 부모님의 사업 문제 때문에 제대로 된 주거 공간을 가질 수 없었던 기억과 친척 어른의 죽음, 이러한 환경 속에서 겪는 가족과 지인들에 대한 애증의 관계는 작가가 인생, 예술, 죽음과 같은 커다란 삶의 명제에 대하여 일찍이 폭넓은 사유를 하게 만들었다. 문형태의 이러한 사유와 정신작용의 결과는 복잡한 사유체계를 구축하는 형이상학적 표현이나 지극히 추상적인 작품으로 나타나지 않고 오히려 마치 어린 아이가 그린 그림처럼 단순화된 인물과 그들이 처한 공간의 상징성에서 인상적으로 드러난다. 그의 작품에서는 어린아이들의 천진함처럼 보이는 도상의 이면에 감춰진 개인사의 안쓰러움을 읽어내는 공감의 정서가 요구된다. 학창시절 문형태가 북유럽의 표현주의적 경향을 보여주는 코브라(COBrA) 그룹과 장 뒤뷔페의 작품에 깊은 관심을 가졌던 만큼 그의 작품에서는 표현주의적 경향이나 코브라 그룹, 그리고 비슷한 시기의 피카소의 작품을 연상시켜주는 도상이 빈번하게 등장한다. 이러한 표현에 대해서는 찬반의 양쪽 의견과 평가가 따를 수 있다. 그러나 작가는 어느 의견에도 개의치 않는다는 초월적인 태도를 견지하려고 노력한다. 형태와 색채의 완전한 자유를 선언하고 초현실주의적 경향에 대해서는 다소 부정적이며 표현의 자발성과 실험성을 옹호하면서 자유롭게 활동했던 코브라 그룹은 어린 아이들의 그림이나 폴 클레, 호앙 미로 등의 작품에서 영감과 창작의 동력을 얻었는데 문형태의 작품에서 드러나는 표현 요소들이 이러한 작품들의 속성과 많은 부분 공통점을 갖고 있다는 것은 부인하기 힘들 것이다.

문형태는 색채를 잘 다룰 줄 아는 작가다. 이 점 역시 그가 좋아했던 코브라 작가들의 특징과 일맥상통 하며 색채의 반추상적인 사용과 형태의 의도적인 왜곡, 격렬한 붓놀림을 읽어낼 수 있는 화면 등도 그의 작품을 특징짓는 요소라고 볼 수 있다. 주로 인물을 중심으로 구성되는 화면 안에서 형태를 대담하게 왜곡시키고 화면의 곳곳에 은유적인 도상을 자연스럽게 제시하는 것도 문형태의 작품의 특징이다. 문형태는 다른 작가들에 비하여 작품 이외에 자신의 작품이나 신변의 문제와 관련된 글을 통해서 자신의 작업배경과 예술에 대한 관점을 적극적으로 피력하는 편이다. 그런데 그가 피력하는 예술관은 자신의 작품과 예술관을 규정하기보다는 수사적인 모호함과 판단유보를 통해 결론을 회피하는 방어기제의 형태로 나타난다. 예를 들어 문형태는 창작행위와 관련하여 “목적이 없는 자는 슬럼프를 겪지 않으며 기대가 없는 자는 고통을 이겨낸다”고 말한다. 그렇지만 그와 동시에 그는 그저 자신을 오롯이 담을 수 있는 그림을 만드는 것이 최종 목적지라고 말함으로써 작가로서 관람객으로부터 칭찬받으며 그로 인해 행복하기를 바라는 마음을 에둘러 표현하기도 한다.

일상생활 속에서 발견하는 창작의 단초와 독서나 음악 감상을 통해 촉발되는 창작에 대한 충동을 평면과 오브제 등으로 왕성하게 표현해가는 문형태에게 예술은 끊임없는 도전이며 때로는 소외감과 좌절감을 안겨주는 못된 질병같은 것일 수도 있다. 하지만 병을 앓고 나서 면역성이 생기고 시행착오를 통해서 옳은 길을 찾듯이 감성적 반응의 촉수가 살아있고, 그것이 부지런하게 작동하여 왕성한 창작의 에너지가 발산되는 한 문형태는 건강하고 진솔하며, 그럼으로써 독창적인 작품을 지속할 것이다.

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2009 Gallery Guide 1월호

기억으로 해체되는 추억의 이미지들

글. 미술평론가 정용도

기억을 예술작품의 모티브로 삼아 자신의 세계를 구성하는 것은 작가들뿐만이 아니라 우리 모두가 기억을 보존하는 방식이라고 말할 수 있을 것이다. 그것은 삶의 조그만 사건들 속에서 우리가 스스로의 존재를 확인하는 방법이기도 하고 우리 삶이 스스로의 존재를 통해 삶에 참여하는 방식이라고 할 수 있기 때문이다. 삶에 참여한다는 것은 거창한 사건을 통해 발생하는 인식의 커다란 변화를 시간의 지표처럼 삶의 매 순간을 기억할 수 있게 각인해 놓는다는 것이라기보다는 일상의 소박한 사건들이 기억 속에서 스스로 작동하게 만들어주는 것이라고 말할 수 있을 것이다.

문형태의 작품에서는 소소한 일상의 기억들이 예술적 재현의 법칙에 의해 제어되는 것이 아니라, 자신의 삶 속에서 발생한 사건들에 대한 감성적인 반응의 형식으로 자유롭게 드러나고 있는 것을 볼 수 있다. <달콤한 말 2007>은 분명 어떤 경험에 근거한 작품이라고 볼 수 있다. 이 작품에서 작가는 자신의 경험을 사회적인 아이콘들을 통해 확장시키지 않는다. 소통의 상황이 서로의 신체 내부를 관통하고 있지만 그것은 제목에서 암시하듯이 좋은 경험은 아닌 것이다. 경험이 물리적인 것이 아니고, 스스로의 판단에 의해 형성되는 주관적 은유의 형식이라면, 경험의 절대적인 성격을 규정할 수는 없을 것이다. 경험의 절대성이 부재한다고 말할 수 있는 것은 작가가 재현과 환영의 시각언어를 통해 어휘를 확장하지 않기 때문이기도 하다. 이런 방향 속에서 형상화된 그의 이미지들은 이미지의 역사적 엄격성 대신에 스스로의 신화를 만들려고 하는 노력을 보여준다.

문형태의 작품에서는 세 가지 방향성을 발견할 수 있다. 하나는 이미지들이 큐비즘적인 평면성을 가지고 설명적으로 나열된다는 것과, 다양한 무질서를 화면으로 도입하여 개인의 신화를 완성하려고 하는 태도(이미지적으로는 바스키아의 비문법적인 무질서를 닮아있다), 마지막으로 색채의 사용에서 보이는 것으로 두 역사적 시각언어들의 회화적 혼합이다. 이 세 가지 특성들은 그의 개인적 경험의 톤과 섞여 상상의 차원에서 상징적인 차원으로, 즉 자아에서 주체로 전이된다. 이런 노력이 단적으로 드러내주고 있는 작품은 <빈집 2008>과 같은 작품이다. 이 작품에서 개 한 마리가 집의 중심에 그려져 있다. 고개를 숙이고 있는 개는 자신의 존재성을 확인하고 의존할 수 있는 소통이 가능한 존재를 기다리고 있을 뿐이다. 이 작품의 분위기는 <이방인 2008>, 에서도 반복된다. 이런 소통의 부재상황에 대한 반응은 스스로 즐거워지기 위한 노력의 결과처럼 보이는 형상들로 다시 한 번 변화되어 간다.

<자화상, 2008>, <화가의 버스, 2008>에서 작가는 자신의 화가로서의 즐거움을 극적으로 표현하고 있다. <자화상, 2008>의 작가를 의미하는 인물은 오른손에 개를 움켜쥐고 있고 왼손에는 물감이 흐르는 붓을 쥐고 있다. 물감이 떨어지는 지면에는 왕관이 그려져 있는데, 왕관은 스스로 자신의 존재를 최고의 즐거움으로 만드는 상징이자 은유인 것이다. 게다가 화면 속의 인물은 너무도 즐거운 나머지 배설을 하고 있을 정도이다. <화가의 버스>에는 음악이 등장한다. 음악은 그만의 축제이기도 하고 예술을 제의적인 의식으로 변화시키는 매체이기도 하다. 작가에게 제의적인 것은 원시적인 삶의 의식들과 연관되어 있고, 삶의 원시적인 의식들은 생명성에 대한 지향과 인간의 본질과 관련되어 드러나는 진정한 즐거움을 발견하고자 하는 노력이다. 그러나 그런 즐거움은 같은 작품에서 표현되고 있는 작가의 기억 속에 각인된 소통이 불가능할 정도의 심리적 공황에 의해 분열적일 정도의 상황으로 변질되고, 삶의 본질적인 즐거움으로부터 벗어나 어떤 다른 상태로 전이되어 가기도 한다. 이 같은 즐거움과 고독의 상황이 반복되면서 작가가 찾아가고 있는 것은 속도에 대한 혹은 자신의 존재를 지속적으로 유동하는 거리 속으로 던져놓는 것이다.

과 <한 밤의 드라이브, 2008>는 작가가 자신의 진정한 모습을 발견하려고 하는 의미로 해석될 수도 있지만, <큐브,2008>와 같은 공간의 폭력에서 벗어나려고 하는 행위의 적극적인 표현이기도 하다. 그에게 공간은 폐쇄적이든 혹은 <밀 밭 1, 2008>에서처럼 개방되어 있든 두 가지 경우 모두 그에게 폭력적이다. 그래서 작가는 주어진 공간에서 자신의 즐거움과 본질적인 쾌락을 적극적으로 향유할 수 있는 음악을 자신의 삶으로 가져오는 것이다. 개방과 폐쇄의 사이에는 어떤 존재들이 있다.그 존재들은 두 개의 작품들에 의해 적극적으로 표현되고 있다. 작가가 자신의

삶이 부유하는 경계로 설정한 인터미션 중 작품에 등장하는 인물은 어떤 그에게 어떤 권위를 지닌 인물로 묘사되

고 있다. 그가 포스트모던적 감성에서 경계들을 허물고 경계를 넘어 다른 차원으로 진입하고자 하지만, 그에게 그다른 차원은 기껏해야 음악의 세계일뿐이다. 음악은 연주자 스스로 몰입하게 만들고 청중에게 즐거움을 주기도 하지만 음악을 통해 얻을 수 있는 것은 자신의 고독에 대한 보상으로서의 즐거움이다. 이것은 다분히 수동적인 것으로 작가 스스로 예술을 찾아가는 여정에서 의미의 확장을 보장해주지 못하는 것이다. 즉, 삶과 행위의 차원이 사회적인 차원과 맺어지게 만들어주는 만족스런 소통의 통로로서 기능하지 못하고 있다는 의미이다. 그래서 작가는 교회당으로 들어가고 있는 인물을 묘사한 작품인 를 통해 존재의 굴레로 인해 초래되는 고뇌를 자신의 존재를 부정함으로서 극복하고자 하는 것이다. 이것은 성경의 '돌아온 탕자'의 이야기를 상기시켜주는 이미지처럼 스스로의 삶이 가지고 있는 진실이 무엇인가를 자문하는 과정이 되는 것이다.

결국 문형태의 작품에서 이미지의 연원은 그가 가지고 있는 추억들이지만, 그 추억들은 그의 삶에서 어떤 절대적인 기억으로 남을 만큼 꼭 명증한 것들이 아니라고 볼 수 있을 것이다. 마치 상상의 세계에서 벗어나지 못해 상징의 세계로 진입하지 못하는 퇴행의 상태에 있는 아이처럼 주체의 형성 과정에서 혹은 주체가 자아의 거울로서 기능하지 못하는 것으로 볼 수 있을 것이다. 이것은 바로 기억이 추억과 충돌하고, 기억과 추억이 서로 기능적으로 작동하지 못하기 때문에 작가에게 추억이 기억을 넘어 그의 삶을 풍요롭게 만들어주는 원인이 되지 못하고 기억의 파편이 되는 것이다.

이 모든 것을 고려해볼 때 작가가 삶의 행위 자체를 사유하려고 노력하고 있다는 것을 알 수 있다. 작가의 삶 주변에서 발생했던 사건들은 그가 왜라는 질문을 던지기 이전에 이미 그의 삶 속으로 들어와 버렸다. 그것은 작가가 자신의 삶 속에서 지속적으로 발생했던 다양한 사건들을 논리적으로 이해하려고 하지 않았기 때문에 그럴 것이다. 즉, 그의 미술 언어들은 시각 중심적이고, 어떤 면에서는 감각 자체를 시각 언어의 중심에 놓는 것처럼 보인다. 그렇기 때문에 문형태의 작품에서는 스스로의 한계를 넘어서려고 하는 해체적인 의지가 보이는데, 그 해체는 단순히 형상들의 해체를 통해 얻는 쾌감이 아니라 삶의 굴곡들을 예술가라는 자의식의 조건들 속에서 바라보려는 의지가 스며들어 있는 것이다. 결국은 그가 기억을 삶 속에 각인된 추억을 통해 혹은 추억을 기억의 파편들을 통해 해체함으로서 예술의 의미를 완성시키고자 하는 의지와 스스로의 예술가적인 삶에 대한 생각들의 관계를 예술적 소통의 방식으로 조건화 시키고 있는 것이라고 볼 수 있을 것이다.

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2009 월간 artnart

나는 언제나 절망속에서 꿈꿨고

희망속에서 절망을 품었다

에디터ㅣ 월간 artnart 신은수대표

작가 문형태의 작품에는 세상살이의 굽이굽이에서 마주치게 되는 고단함과 서글픔 그리고 그럼에도 끝내 저버릴 수 없는 희망에의 믿음이 함께 있다. 그의 그림 속 인물들은 이별의 근심을 괴로워하고 가난과 곤궁으로 속을 태우면서도 그 슬픔과 비애의 끝에서도 여전히, 혹은 그러기에 더욱더 포기할 수 없는 세상과 인간에 대한 희망을 건져 올린다. 문형태는 유난히 또렷하고 즐거웠던 순간의 기억들을 거의 과장 없이 그려내면서도 이를 통해 고단한 삶의 풍경들을 우회적으로 드러낸다. 때문에 그의 작품에는 절망과 희망, 비애와 낙관, 어둠과 밝음, 한숨과 가슴 저미는 훈훈함이 끊임없이 교차한다. 세상을 보는 작가의 눈은 젖어 있지만 어둠에 완전히 묻혀 있지 않으며, 그의 가슴에 들어찬 서글픈 울음도 웃음과 희망을 완전히 밀어내지는 않는다. 작가 문형태의 평면 작품은 이런 점에서 가장 문형태 답다. 그것은 집이 없어 수십 번 이사를 다녀야 했던 어린 시절의 절망적 풍경과 가난한 어머니의 모습, 그리고 ‘슬픔도 힘이 된다’는 낙관의 세계 사이를 잇고 있다. 거기에는 성장과 소외, 풍족과 빈곤, 폭압과 자유에의 갈망이 치열하게 갈등하며 공존한다.

그러나 무엇보다 문형태의 작품 세계가 의미있는 것은 그것이 단순히 한 시대의 풍속을 사실적으로 담아내고 있는 데 그치는 것이 아니라 궁극적으로 삶의 진실성의 문제를 끊임없이 제기하고 있다는 사실에 있다. 그가 빛과 그림자 중 어느 한쪽을 배제하지 않고 선과 악, 고단함과 안온함을 함께 끌어안는 것은 모든 가능성을 열어두는 방법으로 세계의 진실에 다가서고자 함으로 보인다. 그것이야말로 삶의 진정한 목적과 가치를 찾기 위한 가장 타당하고 진지한 방법론 중 하나이기 때문일 터이다.

문형태 작가는 기법에 있어서도 synkretismos(혼합주의)를 바탕으로 유채, 오일스틱, 크레파스, 펜 등 다양한 재료와 혼합을 통한 자유구상드로잉을 구사하며 사상과 방법의 다양성을 존중해왔다. 거친 드로잉과 천진한 색채 속에서 해체되고 형상화되는 그의 그림은 마치 어린 아이가 그린 그림처럼 선입견 없는 순수한 시각을 열어준다. 동시에 이러한 자유로움은 작가 본연의 재능을 유감없이 발휘할 수 있게 해 그의 작품들 하나하나는 지극한 세련미를 획득한다.언뜻 막 그린 낙서 같으면서도 표현주의에 성공적으로 도달하고 있는 것은 작가가 투철한 주제의식으로 그림을 치밀하게 그리고 있음을 반증한다. 그는 그림의 바탕 위에 흙을 깔고 나서야 색을 칠하기 시작하는데 이것은 발색이나 표면의 질감을 위한 것이라기보다는 삶과 죽음, 나아가 예술의 의미에 관한 작가의 통찰력에서 나오는 것으로 보인다.죽어서야만 흙으로 돌아가고 자연으로 복귀하는 것이 아니라 거시적인 관점에서는 현재 속의 인간도 그의 삶도 결국 자연의 한 조각이라는 작가의 철학은 흙 위에 인생을 그리게 했을 터이다. 또한 작품 속 인물들이 이 땅의 흙 위에 단단히 발을 딛고 서도록 하는 작업을 통해 작품이 현실의 삶과 끝내 떨어지지 않고 긴밀하게 연결되어 있도록 하려는 상징적 수법도 엿보인다.

문 작가는 그가 그린 그림을 세상에 내놓는 순간부터 그것은 이미 그의 당초 의도와 전혀 관련이 없는 낯선 것이 되어야 한다고 생각한다. 예술작품의 의미는 텍스트를 감상하는 수용자의 수만큼 다양해질 수 있다는 성숙한 미의식을 가지고 있는 것이다. 해서 문 작가는 그의 그림이 세상 빛을 보기 전에 스스로 흙을 덮어 작품의 무덤을 만든다. 흡사 산고와 같은 고통을 외롭게 인내하며 낳은, 그림인지 자식인지 모를 그것을 장사지내고, 대중들의 눈과 머리, 그들의 가슴 속에서 새롭게 태어나도록 하기 위한 일종의 의식인 셈이다.

불과 1년 만에 <사랑은 외로운 투쟁> <드라이브> <가제트 형사> 등의 굵직한 전시를 성공적으로 일궈내며 급속한 성장을 이룬 문형태 작가는 지난 8월 뜨거운 불볕더위 속에서 여덟 번 째 개인전 <무지개 정원>을 성공적으로 마쳤다. 이번 전시를 통해 문 작가는‘대중이 아끼고 사랑하는 작가’가운데 하나로 그 입지를 더욱 공고히 했다는 평이다. 문형태 작가의 전시장을 찾는 관람객들 틈에서 알게 된 사실 하나는 사람들이 그의 그림을 대개 ‘갖고 싶은 그림’이라고 표현한다는 점이다. 어떤 그림이 좋다는 것을 표현하기에 이만큼 정직하고도 확실한 말이 사실 몇이나 더 있을까. “작품은 관람객들과 전시장에서 눈을 맞출 때 비로소 완성되고 온전히 새롭게 태어나는 것”이라는 문 작가의 생각이 변치 않고 익어 좋은 열매를 맺기를 기대해 본다. 사람들의 마음을 얻는데 능할 수 있는 그 작품의 힘이 더욱 성장할 것도. “예술이 타인에게 주는 영향력의 무서움을 깨달은 뒤부터 이왕이면 ‘착한 영향력’을 발휘하는 예술가로 남고 싶다는 생각을 한다”는 그의 소망이 꼭 이루어지기를 바란다.